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Bio : JOE COLOMBO (1930-1971)

Joe-Colombo
Tour à tour peintre, architecte, designer industriel et inventeur, Joe Colombo (1930-1971) n’eut de cesse de créer et de surprendre dans un souci permanent d’améliorer et de faciliter notre quotidien. La notion de modularité le guida tout au long de sa carrière qui s’acheva brutalement à l’aube de ses 41 ans certainement à cause d’une vie menée tambour battant faisant de lui l’un des créateurs italiens les plus influents de sa génération. Il créa pour les plus grands éditeurs italiens à partir du début des années 60 lorsque qu’il décide d’entamer sa carrière de designer industriel, que ce soit du mobilier pour Zanotta et Flexform, ou des luminaires pour Kartell et Oluce entre autres. Toujours dans le but de simplifier la vie quotidienne, il s’attela, pendant la seconde moitié moitié des années 60 et en parallèle de son activité de designer, à la fabrication d’unités d’habitation multi-fonctionnelles dans la lignée des « casiers standards » de Le corbusier en 1920. Son âme de précurseur se manifesta également à travers l’utilisation de matériaux innovant que l’on découvre avec la chaise universale pour Kartell en 1967, la première assise pour adulte utilisant le plastique ABS moulé par injection, ainsi qu’avec le fauteuil Elda dont la coque est constituée de fibre de verre renforcée de plastique. Ce créateur futuriste marqua de son emprunte indélébile les 2 décennies de sa trop courte carrière, que ce soit en terme d’innovation que de dynamisme. Il mis à profit aussi bien l’artisanat italien que de grands éditeurs afin de produire des pièces au plus prêt de ses exigences, un personnage à part ainsi qu’un des meilleurs représentants du design utopique des années 60.
 
Les luminaires
 
Entre Joe Colombo et les luminaires, c’est une grande histoire d’amour qui débute en 1962 avec la lampe Acrilica qu’il dessine à quatre mains avec son frère Gianni Colombo (1937-1983) chez l’éditeur Oluce où il occupera d’ailleurs le poste de directeur artistique jusqu’en 1968 sous l’égide de Giuseppe Ostuni. L’Acrilica marque l’arrivée de Colombo en tant que designer dans le paysage milanais, et par la grande  porte puisqu’elle lui permet de remporter la médaille d’or à la XIIIème Triennalle de Milan en 1964. Cette lampe est composée d’un convecteur en plexiglas en forme de C complété d’une base en métal laqué contenant un tube néon permettant la projection de lumière, un modèle originale s’échangeant autour de 2500eur quand une rééddition est vendue 1800eur chez Oluce. Chez le même éditeur il produit également les célèbres lampes spider et coupé en 1967, pour lesquelles il sera gratifié de 2 prix : le Compasso de Oro et l’International Design Award. Ces modèles sont déclinés en plusieurs versions :  lampe de table, lampadaire, plafonnier, applique mural ou lampe à étau, elles reflètent parfaitement la recherche de la multi-fonctionnalité, chère à Joe Colombo, permettant de nombreuses variations de l’éclairage. Côté budget, les prix s’étalent entre 200eur et plus de 1000eur en fonction des versions et des coloris, les plus recherchées étant les bleues et les jaunes sachant que les blanc et les noirs sont rééditées.
A la même période, le designer milanais collabore avec l’enseigne Kartell et imagine une série de lampes à base de plastique dont les modèles KD24, KD27 et KD29, si les 2 dernières furent les plus répandues, la KD24 se distingue par une production plus faible ainsi qu’un système permettant de faire varier la diffusion de la lumière et d’obtenir un effet plus ou moins tamisé. Ces lampes à poser furent éditées peu de temps dans plusieurs couleurs, les prix variants en fonction de leur rareté, comptez entre 200eur et 600eur pour an ecquérir une pièce, le haut de la côté concernant les vertes, les jaunes et les violettes principalement. Notez que les KD27 et KD29 furent produites quelques temps en Australie dans des versions ayant l’abat-jour inférieur transparent avec une petit tirette reliée à la douille en guise d’interrupteur.
En 1970, il se rapproche de Stilnovo pour éditer sa lampe Topo qui peut être placée dans toutes les positions grâce à ses bras articulés ainsi que sa rotule multi-directionnelle sous l’abat-jour. La topo fut déclinée en lampe à poser, en aggraffe, en lampadaire ainsi qu’une version mini. Le prix d’une version ancienne s’évalue entre 150eur et 400eur.
LAMPE SHU JOE COLOMBO
Fauteuil Elda
 
C’est en 1963 que Joe Colombo imagine son célèbre fauteuil Elda, qu’il nommera ainsi en hommage à sa femme dont c’était le prénom. Produit par la société italienne Comfort seulement à partir de 1965, il s’agit du premier fauteuil de cette envergure à utiliser la fibre de verre renforcée de plastique, il s’inspire d’ailleurs des coques de bateau pour réalisé son imposante coque pivotante qu’il complètera de 7 coussins en cuir rembourrés conférant à cette assise une silhouette toute en rondeurs. Révolutionnaire en son temps, le fauteuil Elda offre un comfort et un plaisir d’assise incomparable, véritable « pièce dans la pièce », son dossier arrondi permet réellement de s’isoler du bruit environnant. Exposé au Musée d’Art Moderne à new-York (MOMA) ainsi qu’au Musée des Arts Décoratifs à Paris, ce fauteuil avant-gardiste fut mis à contributions dans plusieurs films et série pour son caractère futuriste et iconique, il apparait ainsi de façon récurrente dans la série d’anticipation « Cosmos 1999 » de Gerry et Sylvia Anderson entre 1975 et 1978, dans le film Hibernatus d’Edouard Molinaro en 1969, il accueil Benoit Poelvoorde pendant les 48 épisodes de la série télévisée belge « Les carnets de Mr Manatane » entre 1997 et 1998, et plus récemment il trône dans le premier tom du Blockbuster « Hunger Games » de Gary Ross au côté de Woody Harrelson. Une création de Colombo qui n’a pas pris une ride malgré les années et qui est aujourd’hui rééditée par la société Longhi en Italie avec une coque constituée de polyuréthane préformé. Pour une version originale, à la quelle il faudra préférer un cuir d’origine, il faudra débourser entre 4500eur et 6000eur pour un exemplaire en bel état dont la coque en fibre de verre n’a pas trop souffert avec un cuir bénéficiant d’une belle patine.
joe colombo elda
 
Le mobilier modulable
Parmi les plus beaux exemples de mobilier modulable produit par Joe Colombo, le meuble de rangement ou chariot Boby pour Bieffeplast et le sculpturale fauteuil tube pour Flexform sont très représentatifs. Tous 2 dessinés en 1969, le premier était principalement destiné aux architectes à l’origine, même si un usage domestique le démocratisera par la suite, ce petit meuble de rangement en plastique ABS injecté et monté sur roulettes possède des plateaux pivotant permettant un gain de place évidant et complète parfaitement une table à dessin ou un bureau. C’est un grand classique de Colombo qui fut édité en 3 tailles à des milliers d’exemplaires et donc assez rependu sur le marché de l’occasion, il vous en coutera pas loin de 150eur pour un exemplaire en bon état sans fêlure dans un coloris basic (noir ou blanc), comptez une centaine d’euros supplémentaire pour une couleur moins courante comme le jaune ou le vert. Notez qu’il est réédité aujourd’hui par la firme B Line au prix de 350eur, raison de plus pour privilégier une version d’époque. Le fauteuil tube quand à lui fut très vite hissé au rend d’icône du fait de son côté atypique, composé de 4 cylindres de différentes tailles pouvant être combinés via des joints d’assemblage en acier permettant de multiples combinaisons. On peut ainsi passer du petit fauteuil au la chaise longue ou bien à la version haut dossier avec quelques manipulations, le tout pouvant s’insérer les uns dans les uatres afin de tenir dans un sacs en toile jute prévu à cet effet. Niveau modularité, simplicité et rangement on n’a rarement fait plus bouti, cela résume assez les recherches de Joe Colombo pour le confort et la praticité était primordiales, même au détriment de la ligne (ce qui n’est pas le cas ici). C’est un principe qu’il développe lorsqu’il s’attèle à ses unités mobile d’habitation futuriste et qu’il développe l’idée d’anti design.
TOBU CHAIR JOE COLOMBO
 
La chaise Universalle
 
Initialement prévue pour être fabriqué en aluminium, elle fut finalement la première chaise pour adulte éditée en plastique ABS moulé par injection sous l’impulsion de la société italienne Kartell, véritable pionnière dans ce domaine. Dessinée par Joe Colombo en 1965, elle n’est disponible au grand public qu’à partir de l’automne 1967 suite à quelques soucis de productions dans la fabrication du moule à injection. La chaise universale est empilable par 3 et dispose de pieds démontable, l’idée originale étant de pouvoir varier les piètement pour des usage différents en fonction des besoins : chaises de bar, assise pour enfant, école, salle à manger, hôtel… bref un modèle pouvant être décliné à l’infini, une preuve supplémentaire du travail évidemment précurseur de Colombo. Cette icône de la période space-age et des aficionados de mobilier plastique est assez courante sur le marché de la seconde main,  vous pouvez en faire l’acquisition pour un prix se situant entre 50eur et 100eur en fonction de l’état. Notez qu’à l’époque, une version avec accoudoir fut développé mais elle resta malheureusement à l’état de prototype.
 
JOE COLOMBO UNIVERSALE CHAIR KARTELL
 
Les unités d’habitation fonctionnelles
 
Joe Colombo se consacre à la fabrication d’unités fonctionnelles à la fin de sa carrière, un projet qu’il avait déjà amorcé plus tôt en tant qu’architecte d’intérieur ainsi que dans l’aménagement de boutiques. C’est à ce moment là qu’il développe son idée d’Anti Design, estimant que « pour le designer, la relation entre l’habitation et le mobilier se fait toujours aux dépens de ce dernier », c’est ne quelque sorte l’aboutissement de ses recherches, il s’attache à oeuvre sa vision de l’habitat moderne et il en résulte des des cellules d’habitation individuelles futuristes et multi fonctionnelles destinées à faciliter la vie quotidienne, chaque pouvant se combiner aux autres pour former un appartement complet, il multiplie les rangements escamotables, les portes coulissantes et les systèmes tout intégrés. Le monde découvre un l’aboutissement de son travail amorcé sur le mobilier flexible et modulaire. Il tente de répondre de répondre au plus prêt aux besoins de ses contemporains, c’est ainsi qu’en 1968 la société Bayer demande à Colombo la conception d’un habitat futuriste pour la foire du meuble de Cologne : Interzum 1969 – Visiona 1. C’est son projet le plus aboutie ou il a pu exprimé nombreuses de ses expérimentations que ce soit en terme d’aménagement  mais également au niveau électronique avec les prémices de la domotique via un téléviseur intégré et un dispositif central de commande. Son habitat futuriste « Visiona 1 » fut par la suite présenté dans plusieurs autres villes européennes, plus qu’un designer Joe Colombo était un réel visionnaire, nulle doute que son travail résonne encore aujourd’hui chez de nombreux architectes avant-gardistes.
Joe Colombo Visiona 1969
Bibliographie :
Joe Colombo – Vittorio Fagone et Ignazia Favata – Minimum Design – 2011
Joe Colombo : Inventing the futur – Les Arts Décoratifs – Vitra Design Museum – 2005
Joe Colombo and Italian design of the sixties – Ignazia Favata – MIT Press – 1988
I Colombo – Joe Colombo 1930-1971/Gianni Colombo1937-1993 – Vittorio Fagone Mazotta – 1995
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VENTE DESIGN @ AGUTTES – 24 Sept. 2018

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BIO : PIERRE GUARICHE (1926-1995)

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C’est probablement le plus connu des designers français du mouvement moderniste des années 1950, en France. Le plus populaire aussi grâce à des pièces emblématiques destinées aux foyers modestes. Pierre Guariche, designer prolixe, nous laisse de nombreuses pièces, dans une large gamme de prix, avec une constante : la qualité.

Les canons de la guerre se sont tus ; la reconstruction du pays commence. Dès le début des années 1950, une jeune génération de designers modernistes émerge, avide de renouveau et à la créativité explosive. Le jeune Pierre Guariche (1926-1995) est un membre actif de la reconstruction au sortir de la Seconde Guerre mondiale. Il allie la rationalité et l’élégance avec le souci permanent de s’adapter à l’espace pour toucher le plus grand nombre. Fervent acteur de la production série, il n’a de cesse de faire évoluer les techniques de fabrication pour répondre aux besoins de l’habitat. Diplômé de l’ENSAD en 1949, il fait ses premières armes aux côtés de Marcel Gascoin avant de travaillerpour les grands éditeurs de l’époque : Airborne, la Galerie Mai, Steiner, Les Huchers Minvielles, Meurop ou encore Disderot. Membre fondateur du célèbre Atelier de Recherche Plastique (ARP) de 1954 à 1957 et titulaire du prix RenéGabriel en 1965, Pierre Guariche est un personnage charnière au sein des arts décoratifs du XXe siècle.

Préfacto, les prémices

Alors âgé d’à peine 25 ans, il lance en 1952, le programme Prefacto sous l’égide de Charles Bernard, créateur des éditions Airborne. L’ensemble est composé d’une petite table basse, d’une chaise, d’un fauteuil et d’éléments de rangement modulables. Ce salon entièrement modulaire, l’un des premiers d’après-guerre, préfigure le mouvement moderniste. Édité par Airborne à l’origine, le brevet des meubles Prefacto est rapidement cédé à la Galerie Mai. Par la suite, cette dernière distribuera le mobilier de Guariche dans des versions en contre-plaqué afin de proposer des prix plus attractifs. Ces pièces sont peu courantes sur le marché de l’occasion, particulièrement les premières éditions Airborne très prisées des collectionneurs. Un fauteuil Préfacto s’échange autour de 5000 euros. Le prix de la rareté.

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L’aventure ARP

En octobre 1954, le trio Pierre Guariche, Michel Mortier et Michel-André Motte créé L’Atelier de Recherche Plastique (ARP). Il s’agit de proposer une offre large et variée, dans la lignée de ce que préfigure le mobilier d’après guerre, afin d’intéresser les éditeurs et les distributeurs. L’Atelier s’installe au coeur du quartier historique des artisans du meuble, faubourg Saint-Antoine, à Paris. Rapidement, les créations du groupe sont éditées : Steiner et Airborne pour les assises, Minvielles pour les rangements et Disderot pour le luminaire. Des références de l’ameublement de l’époque. L’Atelier de Recherche Plastique est consacré dès 1955, en emportant les deux premiers prix du Salon des Arts Ménagers, avec la salle de séjour et la chambre des parents. Alors que les designers développent leur propre identité chacun de leur côté et réalisent des projets personnels l’aventure ARP prend fin en 1957. Une petite enfilade ARP vaut entre 300 et 500 euros tandis qu’une belle assise refaite à neuf coûte près de 1000 euros.

La collaboration avec Airborne

La société Airborne et Pierre Guariche sont étroitement liés. Le designer, le premier à être édité par la firme de Charles Bernard, va signer en 1954, le célèbre fauteuil G1 qui restera au catalogue de l’éditeur jusque dans les années 1970. Il est constitué d’une simple housse en toile tendue reposant sur une structure métallique à section ronde laquée noir. Autre succès de leur collaboration, le mythique fauteuil G10, modèle intemporel, est composé d’une armature en contre-plaqué garnie de mousse et d’un piétement métallique tubulaire laqué noir. Le modèle est décliné dans une version rare, avec accoudoir en bois, ainsi qu’en banquette deux et trois places. Ce fauteuil, assez courant sur le marché de l’occasion dans sa version classique, s’acquiert aisément aux alentours de 600 euros.

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La maison Steiner

Tout le monde connaît la chaise Tonneau, surnommée Amsterdam. Avec la série Tulipe, elle est un classique des années 1950, née de l’association entre Pierre Guariche et la société Steiner. Toutes deux constituées d’une coque en fonte d’aluminium, en fibre de verre de verre ou bien en contreplaqué moulé souple, éventuellement complétées d’une galette d’assise ou entièrement recouvertes, les chaises sont évidées au centre. On reconnaît la Tulipe grâce à une ouverture plus grande. Idéales pour les petits espaces, ces chaises intemporelles fabriquées à de nombreux exemplaires trouvent leur place dans tous les intérieurs. Il est aisé d’en chiner, leur cote se situant autour de 200 euros pour une version en bois ou en fibre et 450 euros pour une version en fonte d’aluminium. Steiner a également édité les célèbres tables d’appoint carrées en mélaminé noir ou blanc dites «tables volantes». Elles sont également utilisées en tables de chevet ou en tables basses lorsqu’elles sont associées en série de trois ou de quatre. Un budget de 150 à 200 euros est nécessaire pour une table. Une version grand modèle, plus rare, existe avec une arrête de 60 cm au lieu de 40 cm.

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Les masterpieces

En parallèle des productions en série pour les firmes Airborne, Steiner ou Meurop, Guariche collabore de façon ponctuelle avec d’autres éditeurs pour lesquels il réalise des pièces produites à petite échelle appelées des «masterpieces». Ce sont
des meubles rares et très prisés des collectionneurs et des passionnés de design moderniste. Parmi ces créations d’exception, citons les chauff euses Courchevelle, éditées par Sièges Témoins, en 1962, le bureau Président chez Les Huchers Minvielles et la rarissime chaise longue dite «La vallée blanche» la même année. Cette dernière, inspirée de Le Corbusier et Bruno Mathsson, a été réalisée dans les ateliers de la fi rme Steiner avant d’être finalement éditée par Les Huchers Minvielle. Un parcours atypique pour l’unique exemplaire connu de cette pièce qui est actuellement en vente dans
une célèbre galerie parisienne. À bon entendeur….

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Les luminaires Disderot

Pierre Guariche est souvent qualifi é de designer populaire en raison du prix accessible de ses meubles. Des tarifs bas grâce à une production en série par les firmes Airborne et Meurop. En revanche, le designer revêt son costume d’orfèvre quand il s’agit des luminaires édités, pour la plupart, par Pierre Disderot. Édités dans les années 1950, les lampadaires, lampes à poser, appliques ou plafonniers du diplômé de l’Ensad sont des icônes atteignant des résultats record en salle des ventes, au même titre que le mobilier de Jean Prouvé ou Le Corbusier. Dans ce domaine, le talent de Guariche s’exprime. Ses réalisations sont empreintes d’élégance et de légèreté, haussant Guariche au niveau des plus grands créateurs du XXe siècle. Parmi ses modèles phare, le lampadaire à double balancier G23 dit «equilibrium» est une pièce exceptionnelle, à mi-chemin entre la sculpture et l’éclairage d’intérieur. Ces oeuvres ont un prix : plusieurs milliers d’euros voire dizaines de milliers d’euros, sauf coup de chance du chineur.

Lampe agraffe G Pieerre Guariche Disderot

L’étape belge Meurop

Après l’expérience de l’Atelier de Recherche Plastique, Guariche prend la direction artistique du fabricant de mobilier belge Meurop. Il occupera le poste de 1960 à 1968. Pour toucher les foyers les plus modestes (n’oublions pas que dans les années 1950, la population française vit encore des moments difficiles), Guariche réalise du mobilier fabriqué industriellement, notamment les chaises coquillage en plastique moulé, à la fois légères et résistantes. Il imagine également, en 1959, pour Meurop, des pièces de qualité supérieure tel le fauteuil Calice. Sur le marché de l’occasion, le mobilier Meurop dessiné par Guariche est relativement accessible. Une petite enfi lade en contre-plaqué se trouve à partir de 300 euros. N’hésitez à chiner en Belgique où les prix sont plus doux et les pièces de Meurop, plus nombreuses.

Les rééditions

Pierre Guariche n’a malheureusement pas échappé à la réédition. La société Maison du Monde s’y est attelée depuis 2013 en reprenant une quinzaine de pièces du célèbre designer français avec plus ou moins de réussite. S’agissant pour la plupart de pièces relativement courantes du catalogue Guariche, il est conseillé d’opter pour des pièces vintage. Alors que les prix de ces dernières sont proches de ceux du neuf, l’intérêt historique et la cote d’une pièce vintage n’ont pas de commune mesure avec les rééditions. La cote d’un modèle original de Guariche ne s’eff ritera pas, voire se bonifiera, au fil des ans. Éternel débat entre le mobilier de designer original et les rééditions.

À lire
Airborne Par Pierre Deligny. Éditions Les Modernistes.
Steiner et l’Aventure du design Par Patrick Favardin. Éditions Norma.
Les Décorateurs des années 50 Par Patrick Favardin. Éditions Norma.

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Crédit photo : Galerie Alexandre Guillemain et  Artcurial.

EXPO « UNION DES ARTISTES MODERNES » @ CENTRE POMPIDOU

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L’UAM, Union des artistes modernes, incarne la modernité française au 20ème siècle. Elle a rassemblé tous les grands noms de créateurs dans une démarche inédite et inégalée, réunissant disciplines et domaines artistiques variés. L’UAM a eu pour ambition de proposer un nouvel art de vivre et n’a cessé de vouloir le faire partager au plus grand nombre. Pensée comme un organe de combat, elle s’est attaquée aux conservatismes ambiants et, contexte oblige, a dû en rabattre et se muer en une communauté sur la défensive, jusqu’à s’incliner et se dissoudre. L’exposition inédite que consacre le Centre Pompidou à cette aventure met en scène cinquante ans de création moderne sous l’égide des noms les plus emblématiques du 20ème siècle : de Le Corbusier à Robert Mallet-Stevens, d’Eileen Gray à Charlotte Perriand, de Pierre Chareau à René Herbst, de Francis Joudain à Jean Prouvé… Au cours d’un parcours chronologique articulé en différentes sections, l’exposition remonte aux origines françaises de cet idéal où tous les arts se côtoient et se conjuguent à travers les réalisations collectives et les œuvres de chacun.

La constitution de l’UAM date du 15 mai 1929. Elle trouve son origine dans le Salon d’Automne créé en 1903, qui va servir tout à la fois de lieu d’expérimentation et de caisse de résonance aux tenants de la modernité. Les arts décoratifs ne sont pas relégués au second plan et on peut entrevoir la modernité des intérieurs dans les tableaux des peintres de l’avant-garde tels Pierre BonnardÉdouard Vuillard et Henri Matisse. La puissance de la couleur et la rupture avec les motifs de l’art nouveau sont ainsi partagées dans un même mouvement. L’idée d’un regroupement germe dans la pratique professionnelle des membres fondateurs qui, durant les années 1920, ont développé, à l’occasion de commandes ou de manifestations, des réponses communes et une pratique collective.
L’UAM, ce sont des hommes et des femmes au passé commun, des confrères, des amis, des complices. Ce sont des figures, de fortes personnalités, des créateurs engagés. Ils se rassemblent pour faire face au refus de la Société des artistes décorateurs de leur accorder une présentation groupée leur permettant d’affirmer les principes de l’esthétique moderne qu’ils défendent. Autour du premier comité directeur constitué par Robert Mallet-Stevens, Francis Jourdain, René Herbst, Hélène Henry et Raymond Templier, plusieurs dizaines de personnalités, parmi lesquelles Sonia Delaunay, Fernand Léger, Jean Carlu, Pierre Chareau, Jean Prouvé, Le Corbusier, Pierre Jeanneret et Charlotte Perriand ou Eileen Gray, se retrouvent unies par un même idéal : s’entêter à créer sans regarder en arrière.

Si l’UAM se dote d’un manifeste quelques années après sa fondation, en 1934, pour répondre à toutes les attaques auxquelles elle a dû faire face, son mode d’expression privilégié est l’exposition. Quatre salons annuels à partir de 1930, participation aux salons de la lumière en 1935 et 1936, participation aux expositions de l’habitation, forte présence aux salons des arts ménagers, expositions de concours organisés conjointement avec l’OTUA (Office technique pour l’utilisation de l’acier) et notamment ceux des cabines de paquebot et du mobilier scolaire. Les salons de l’UAM se veulent la démonstration d’une vision commune, revendiquent la prééminence du collectif, affirment l’absence d’une hiérarchie entre les arts, affichent une modernité résolue qui n’est encore que rarement acceptée et promue par les pouvoirs publics. Seule l’arrivée du Front populaire redonne aux membres de l’UAM une place dans l’exposition internationale de 1937. À côté de diverses participations des uns et des autres dans différents pavillons, tous se retrouvent dans celui de l’UAM, signé Georges-Henri Pingusson avec Frantz-Philippe Jourdain et André Louis, et dont l’architecture dynamique de métal et de verre est une des rares expressions de l’architecture nouvelle de cette manifestation.

Après les années de dépression économique, après une période marquée par une lutte sur le front du style en leur défaveur, l’exposition apparaît alors pour ses membres comme un sursaut. Rétrospectivement, on peut y voir l’apogée de l’action de l’UAM, car, après les années noires de la guerre, ses membres peuvent imaginer leur heure venue, être appelés à participer à la reconstruction du pays sur de nouvelles bases. C’est le cas, mais l’association périclite : elle a vécu. Ses adhérents, anciens et nouveaux, continuent de se revendiquer de l’esprit qui animait l’UAM, le mettent en pratique dans leurs réalisations mais vont se doter progressivement de nouvelles structures : Formes utiles qui poursuit le combat pour renouveler l’art de vivre et le Groupe Espace qui entend associer architectes, ingénieurs et artistes à la recherche d’une synthèse des arts.

Texte via Centre Pompidou

Expo Unions des Artistes Modernes UAM POMPIDOU - Crédit The Good Old Dayz 34

GALERIE WA @ PARIS

GALLERY WA DESIGN X THE GOOD OLD DAYZ 1

« La vocation de la galerie WA est de faire entrer en résonance les œuvres de designers japonais et français qui, au-delà des époques et des frontières, partagent une même culture de l’épure, constitutive des arts traditionnels nippons mais aussi du modernisme occidental.

Une culture fondée sur la quête d’harmonie (« wa » en japonais) et qui rejette tout ornement au profit de formes simples sublimant les qualités intrinsèques des matériaux jusque dans leurs imperfections et exaltant l’infinie richesse du vide, virtuellement plein de toutes les interprétations possibles.

En jetant un pont entre l’Orient et l’Occident, la galerie WA donne ainsi à voir une approche du design toute en oxymores, célébrant la beauté de l’asymétrie, l’essentialité des détails, et dépassant les dichotomies entre l’utile et l’esthétique, l’artisanat et l’art, les savoir-faire ancestraux et l’innovation, le raffinement et la rusticité, pour conférer à chaque création cette subtile harmonie, porteuse d’un indéniable supplément d’âme.

Purement et simplement. »

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GALERIE WA – 26 Place des Vosges – 75001 Paris

Showroom en étage sur RDV

BIO : FLORENCE KNOLL (1917)

Knoll est certainement l’éditeur de mobilier le plus emblématique depuis l’après-guerre. Quelques-unes des plus grandes icônes du design du XXème siècle sont sorties de ses usines comme la chaise tulipe d’Eero Saarinen, le fauteuil wassily de Marcel Breuer ou bien les assises sculpturales en fil d’acier d’Harry Bertoia. Derrière cette réussite, un couple mais surtout une femme : Florence Knoll (1917) qui a soufflé ses 100 bougies l’année dernière et qui révolutionna la notion de mobilier mais également d’aménagement avec ses idées novatrices alliant le talent des plus grands créateurs modernistes aux dernières technologies de production. L’équilibre parfait entre l’art et l’industrie, entre la fonction et l’esthétique.

Naissance de l’architecture d’intérieur

Hans Knoll (1914-1955) fonde sa société en 1938 et rencontre Florence Schust en 1941 avant de l’épouser 5 ans plus tard. Dès le début des années 40, ils souhaitent développer l’ameublement moderne aux Etats Unis et pour se faire, décident d’engager les meilleurs designers de l’époque : Jen Risom, Eero Saarinen, Isamu Noguchi, Mies Van Der Rohe ou encore Charles Pollock. Le résultat est immédiat car Florence Knoll développe en parallèle la notion d’architecture d’intérieur en proposant des solutions complètes à ses clients via des plans d’aménagements, la création de leur propre tissu d’ameublement « Knoll Textill » ainsi que l’ouverture de showrooms dans les plus grandes villes américaines ainsi qu’à Paris.

Le mobilier Florence Knoll

Non contente d’être la directrice artistique du plus célèbre éditeur de mobilier américain d’après-guerre, Florence Knoll commence à dessiner elle-même du mobilier dès 1945, notamment ses premières enfilades à portes coulissantes en raphia et poignées en cuir. Elle propose par la suite, au milieu des années 50, sa ligne « parallel bar » et sa série « T angle » composées d’assises et de tables, toutes ces pièces ayant pour point commun des lignes simples et sans fioritures alliant fonctionnalité et modernisme, le style Florence Knoll. Nul besoin de reconnaissance ou bien  de rejoindre les illustres créateurs de son écurie, l’idée étant seulement de répondre à un besoin en terme d’aménagement lorsqu’elle ne trouve pas ce qu’elle cherche dans son catalogue ou bien auprès des designers de la marque. Ses pièces sont toujours distribuées par Knoll aujourd’hui même si les lignes ont évolué et que les modèles diffèrent des créations originales afin de s’adapter aux époques. Pour une paire de fauteuils parallel bar dans un bon état d’origine, il faut compter entre 1500EUR et 2500EUR, les versions actuelles étant distribuées dans un tarif avoisinant les 5000EUR la pièce. Les tables basses et petites tables d’appoints quant à elle, se chinent à partir de 150EUR, les versions à plateau marbre étant les plus chères et les plus prisées. Pour une enfilade avec porte en raphia, les prix s’échelonnent entre 1800EUR et 3000EUR en fonction de l’état de conservation.

Le mobilier en fil d’acier

Si le banc composé de 2 piètements métalliques en « Y » surmonté de latte de bois est la première création issue de la collaboration entre Harry Bertoia (1915-1978) et le couple Knoll en 1952, c’est bien avec ses assises en fils d’acier que le sculpteur et designer italien obtient sa renommée internationale. Dès la sortie de ses chaises « wire » et de ses fauteuils diamant, entièrement façonnés à la main pour les premières versions, le succès est immédiat. Alliant pureté et légèreté, les créations de Bertoia détonnent avec ce qui se fait à l’époque, ce qui ne les empêchent de rapidement trouver la voix de la production en série. Toujours en production actuellement, le prix d’un fauteuil diamant neuf est de 2200EUR quant la côte d’une version originale s’évalue à 700EUR. Avis aux chineurs, veillez à bien vérifier l’état des soudures avant tout achat, tout spécialement sur les bords des chaises et à la base des dossiers, c’est le petite point faible des versions très anciennes.

Une dizaine d’années plus tard, en 1966, c »est l’architecte américain Warren Platner (1919) qui propose une ligne de mobilier sculpturale très chic en fils d’acier cintrés, cette nouvelle technique de fabrication permettant à Platner de compléter son offre avec des tables basses, des guéridons et des tables à manger, là où son collègue Bertoia s’était arrêté aux assises. La relative complexité dans la fabrication de ces pièces ne freine pas leur succès, néanmoins, le coût s’en ressent clairement, encore aujourd’hui. Il faut compter presque 8000EUR pour un grand fauteuil neuf et un peu moins de la moitié pour une version originale, l’avantage étant la casi absence de copies sur ces modèles ou alors des contrefaçons flagrantes. Notez que toute la gamme se décline en 2 finitions : bronze métallique peint ou bien nickel brillant verni.

La chaise tulipe en 1957

Si l’on devait résumer l’aventure Knoll en une seule pièce, ce serait surement celle-la. Florence Knoll rencontre Eero Saarinen (1910-1961), au même titre qu’Harry bertoia d’ailleurs, lors des ses études à l’institut Cranbrook dirigé par le propre père de Saarinen. Le créateur américain d’origine finlandaise travaille déjà depuis quelques années avec le couple Knoll lorsqu’il décide de créer toute une gamme de mobilier doté exclusivement d’un piètement centrale afin d’alléger les intérieurs, chose qui n’existait pas encore dans les années 50. C’est ainsi que la chaise tulipe est née composé d’un piètement centrale en fonte d’aluminium recouvert de rislan assurant une bonne stabilité grâce au poids surmonté d’une coque en fibre de verre moulée et renforcée. Elle peut être pivotante et accueille une galette de mousse alvéolé recouverte d’un lainage. On assiste alors à une petite révolution dans le monde du design américain et la chaise tulipe devient vite un best-seller qui ne se dément toujours pas de nos jours, les clients la voient comme une création futuriste dont la forme et le piètement sont entièrement pensés pour faciliter la vie quotidienne de son utilisateur. Encore une fois, Knoll tape dans le mille. Toujours au catalogue, une chaise de Saarinen est affichée à 1300EUR, une version ancienne peut se trouver pour 400EUR.

Marcel Breuer et son fauteuil wassily

On peut considérer que le célèbre fauteuil wassily a eu 3 vies depuis sa création par l’hongrois Marcel Breur (1902-1981) en 1925. En effet, il est tout d’abord édité entre 1925 et 1960 chez Thonet avant de passer sous licence Gavina SPA jusqu’en 1968, date à laquelle l’éditeur italien est racheté par Knoll qui produit cette assise en continu depuis. ll devient très vite un classique de la marque car il répond parfaitement à 2 grandes exigences du fabricant américain : des lignes modernistes et intemporelles alliées à un montage se prêtant parfaitement à la fabrication en série. Nommé wassily en hommage au peindre Kandinsky, ce fauteuil est constitué d’un armature tubulaire héritée du mouvement Bauhaus complétée d’une assise, d’un dossier et d’accoudoirs en croûte de cuir. Première création officielle de Breuer, le wassily est victime de son succès et n’a malheureusement pas échappé à la contrefaçon, pour vous éviter toute mésaventure, sachez que les éditions Knoll sont gravées du logo de l’éditeur ainsi que d’un numéro de série sur l’armature, et que le montage ne doit laisser apparaitre aucune visserie. Un modèle neuf vous coutera autour de 2100EUR quand une version d’époque, à partir de 1968 trouvera preneur pour 600Eur en moyenne.

Le culbuto ou l’exception française.

C’est la seule création d’un designer français à avoir été éditée par knoll à ce jour. Le projet de culbuto nait dans l’imaginaire de Marc Held (1932) en 1967 et prendra 4 ans avant d’être édité, le créateur devant revoir sa copie plusieurs fois. S’inspirant du fauteuil œuf du danois Arne Jacobsen, le français souhaite créer un fauteuil à bascule dépourvu de pied. Lors de sa présentation chez Knoll à sa sortie, c’est la douche froide, les responsables de Knoll France refusent le projet, trop éloignée de l’esprit de la maison. Heureusement, Florence Knoll, de passage sur la capitale, l’essaye et l’adopte ! Relatif échec commercial à sa sortie, c’est un fauteuil qui jouit d’une grosse côte d’amour aujourd’hui, comptez 3500EUR pour un petit modèle et 5000EUR pour la version haut dossier. En collaboration avec sa fille Marion, Marc Held réédite 12 exemplaires fidèles à son prototype dit « primo culbuto » en 2013, ces versions sont dotées d’accoudoirs plus fins que les modèles classiques ainsi que d’un dossier beaucoup plus large en forme de pétale. Commercialisées 12000EUR à leur sortie il y 4 ans, ces versions sont introuvables aujourd’hui et ont surement dû atterrir dans des collections privées qu’elles ne sont pas prêtes de quitter.

Edition ancienne ou réédition?

Devant la multiplication des rééditions, la question qui revient souvent est : faut-il privilégier une pièce ancienne ou bien céder aux sirènes de du meuble neuve. Au delà de l’intérêt évident de posséder une pièce historique avec une histoire et une patine, il y a des arguments beaucoup plus pragmatiques à considérer lorsque que vous choisissez d’acquérir du mobilier édité par Knoll. Niveau tarif pour commencer, à part quelques rares exceptions, une pièce vintage vous coutera en générale entre un tiers et la moitié du prix neuf. Ensuite, la disponibilité, les délais de fabrication dans le neuf se situent autour de 8 semaines, jusqu’à 12 pour certains meubles. Pour finir, pour une table d’Eero Saarinen avec un plateau en marbre par exemple, vous avez l’avantage de voir le plateau et donc d’apprécier la qualité du veinage dans le cadre d’un achat d’occasion, ce sera la surprise si vous passez commande directement chez l’éditeur.

Les contrefaçons

Tout comme dans la mode, le mobilier de luxe attire nombre de faussaires et Knoll n’en est pas exempt. Pour ce qui est du neuf, vous trouverez plus de site proposant des contrefaçons que l’inverse sur le web donc privilégiez les adresses ayant pignon sur rue et en cas de doute si le tarif est inférieur de plus de 15% du prix couramment constaté et bien passez votre chemin. Dans l’ancien, c’est beaucoup plus compliqué, les versions les moins tardives sont parfois estampillées comme la chauffeuse barcelona qui possède une gravure du nom de l’éditeur sur son piètement depuis une vingtaine d’années. Pour les chaises tulipes, la majorité possède la dénomination « Knoll International » embossé dans la fonte sous le pied, dans le cas contraire, c’est à votre oeil qu’il faudra vous fier en vérifiant que les matériaux correspondent à l’original et que le coussin de la galette est bien alvéolé s’il est toujours présent et n’a pas été refait. D’une façon générale, même s’il est très ancien, n’oubliez pas qu’il s’agit de mobilier de luxe donc méfiez des trops bonnes affaires et des vendeurs qui font semblant de ne pas savoir ce qu’ils vendent en proposant des prix « entre 2 » semant le trouble chez l’acheteur.

A lire :

Knoll Design – Eric Larrabée et Massimo Vignelli – Harry N. Abrams 1981

Marcel Breuer : Furniture & Interiors – Christopher Wilk – Museum of Modern Art  1985

Marc Held : Du design à l’architecture – Eric Germain – Norma 2009

Knoll – Brian Lutz – Editions du Chêne 2010

Eero Saarinen : Furniture for Everyman – Brian Lutz – Pointed Leaf Press 2012

The Life and Work of Harry Bertoia – Celia Bertoia – Schiffer Publishing LTD 2015

7. Chauffeuse barcelona - Mies van Der Rohe - Knoll 1929

VENTE EUROPEAN SPIRIT AND SELECTED DESIGN @ PIASA – 20 JUIN 2018

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